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— Style de rue féminin
Mois : novembre 2022
Prince.
Avez-vous remarqué les nouveaux préréglages adaptatifs dans la dernière mise à jour de Lightroom ? Avez-vous essayé de les utiliser comme des préréglages réguliers, mais vous n’étiez pas vraiment sûr de leur fonctionnement ?
Préréglages adaptatifs ont été introduits pour la première fois dans Lightroom Classic en juin 2022. La mise à jour de Lightroom Classic en octobre 2022 a introduit encore plus de convivialité avec de nouvelles mises à jour de masquage. Ces préréglages adaptatifs, qui appliquent des masques en un seul clic, peuvent vous permettre d’apporter facilement des modifications aux zones sélectionnées. Lightroom peut désormais utiliser ces préréglages adaptatifs pour améliorer un portrait entier à la fois ou pour sélectionner des attributs de portrait individuels avec les outils Améliorer les yeux, Blanchir les dents, Assombrir les sourcils, etc. Mais cela peut aussi faire beaucoup plus pour vos autres images.
Portraits adaptatifs
Il existe plusieurs préréglages adaptatifs dans cette section, des améliorations simples au glamour, en passant par la sélection d’une zone à la fois. La Améliorer le portrait, Charme Portrait et Portrait granuleux crée plusieurs masques pour vous à la fois. Pour y accéder, faites défiler le Préréglé menu (panneau de gauche) vous avez fait besoin de cliquer sur la petite zone déroulante pour les voir tous.
Accédez simplement au Outils de masque panneau pour faire des ajustements aux masques individuels. Ils ont même été nommés pour vous. Si un masque ne s’applique pas (comme pas de dents visibles), il y aura toujours un masque mais il y aura un message d’avertissement dessus. Vous pouvez ignorer ou supprimer le masque.
Une fois que vous avez sélectionné un masque, ils peuvent chacun être modifiés comme vous le souhaitez, bien qu’ils aient déjà eu quelques ajustements appliqués lorsque le préréglage a été sélectionné. Vous pouvez augmenter ou diminuer le curseur pour les différentes zones. Dans l’image ci-dessus, j’ai la comparaison entre avant et après l’application des préréglages Glamour Portrait.
Si vous avez plus d’une personne dans une image, cela créera un masque pour les deux en même temps. Ainsi, il utilise essentiellement les mêmes masques pour les deux personnes. Si vous souhaitez avoir différents masques pour différentes personnes, vous devrez parcourir Les gens sélectionnent et sélectionnez chaque personne séparément.
Ciel adaptatif
La Ciel adaptatif les préréglages font exactement ce que leur nom implique, créant un masque pour le ciel uniquement. Ensuite, il applique une variété d’effets et de curseurs pour créer du drame, ou de la couleur pop et des changements de couleur. Bien sûr, vous pouvez simplement faire le vôtre avec un Sélectionnez Ciel masque et quelques ajustements personnels. J’ai utilisé le drame bleu dans l’image ci-dessous.
Sujet adaptatif
Encore une fois, ne devinez pas ce que font ces préréglages. Ils sélectionneront et masqueront le sujet principal de votre image et appliqueront quelques ajustements, de Warm Pop à Cool Soft et bien d’autres entre les deux. Rien de trop fantaisiste et oui, la même chose pourrait être faite avec le Sélectionner le sujet masque et quelques ajustements. Mais ils peuvent accélérer votre flux de travail si vous trouvez quelque chose que vous aimez. Vous pouvez survoler le préréglage pour voir également un aperçu.
Alors, quel est l’avantage de ces préréglages adaptatifs ? Si vous débutez dans le masquage et les ajustements locaux, ils peuvent être un excellent point de départ et apprendre à les utiliser. Vous pouvez également accélérer votre flux de travail, en particulier avec Adaptive Portrait par masquage en un clic. En utilisant les nouvelles tâches de sélection de personnes, plusieurs clics pour sélectionner chacun des masques, donc cliquer peut-être sur Glamour Portrait (j’aime mieux celui-ci) permet de gagner beaucoup de temps. Je ne l’ai utilisé que sur des portraits d’une seule personne, mais jusqu’à présent, cela fonctionne très bien.
C’était la deuxième fois que je visitais cet endroit; fait intéressant, j’ai remarqué des choses différentes depuis ma première visite ici. J’ai toujours l’impression d’oublier que ce n’est pas parce que nous retournons photographier au même endroit que nous prendrons les mêmes images. j’étais plus attiré par […]
La publication The Birks of Aberfeldy, Perthshire, Scotland est apparue en premier sur (service photographie aérienne).
Ma femme et moi avons récemment assisté à une compétition de monte de taureaux en soirée lors du rodéo annuel Elizabeth Stampede à Elizabeth, CO. J’ai demandé un permis de photographie et j’ai été rapidement approuvé en tant que photographe « indépendant ».
Plus tard, j’ai réussi à obtenir un laissez-passer média / photographie «En affectation» amélioré. Ce pass upgradé me permettrait d’écrire un article pour (Site service photographie aérienne). Ce serait ma première occasion de photographier un événement de rodéo de premier plan. J’étais ravi de tester mes compétences en caméra lors de la compétition d’action rapide Xtreme Bull Riding.
Le Rodéo Elizabeth Stampede
La belle ville d’Elizabeth, CO, située à environ 40 miles au sud-est de Denver, a accueilli un rodéo annuel sanctionné par la Professional Rodeo Cowboys Association (PRCA) au cours des 35 dernières années. Connu sous le nom de « Rodeo in the Pines », le Elizabeth Stampede Rodeo est devenu bien connu des amateurs de rodéo à travers le pays.
Le rodéo annuel a lieu chaque année durant la première semaine de juin. Le programme commence par un concert le jeudi soir, et l’interprète vedette de cette année était la star de la musique country Ryan Hurd. Ceci est suivi d’un défilé local et de diverses compétitions et performances de rodéo jusqu’au dimanche soir.
Obtention d’un permis média/photographie
Les photographes peuvent demander soit un permis « Freelance » ou un permis « En affectation ». Le laissez-passer Freelance permet au photographe de prendre des photos depuis le coin salon général dans les gradins. Toutes les images prises sont la propriété de la PRCA et les photos ne peuvent être vendues à des fins lucratives. Un permis média/photographie « en affectation » permet d’accéder à un espace réservé aux photographes. Alors que j’avais un pass On Assignment, j’ai choisi de photographier depuis les gradins.
Exigences vestimentaires
Les réglementations vestimentaires de la PRCA exigent que le personnel des médias et les photographes portent une chemise boutonnée à manches longues ou une chemise western, un pantalon long et des bottes. Un chapeau de style occidental est également fortement encouragé et requis pour certaines zones de l’arène. En raison de la couverture télévisée et de la presse écrite, il est important d’établir une atmosphère occidentale.
Photographier le rodéo
J’ai apporté un sac photo contenant un appareil photo sans miroir Nikon Z7 II et mes objectifs 24-70 mm et 70-200 mm. Comme la majeure partie de l’action se produisait en fin de soirée dans des conditions de faible luminosité, l’objectif rapide 70-200 mm f/2,8 était un élément essentiel de mon équipement.
La soirée a commencé par une belle cérémonie d’ouverture mettant en vedette des membres de l’équipe d’exercices Blazing Saddles à cheval dans l’arène. Alors que le rodéo du jeudi soir était dédié aux premiers intervenants, les membres de l’équipe Elizabeth Fire Rescue ont été honorés juste avant la signature de « The Star-Spangled Banner ».
Un favori de la foule, Wild and Wooly Mutton Bustin’, met en vedette de jeunes cowboys et cowgirls chevauchant des moutons rapides. L’objectif est de rester à bord le plus longtemps possible.
L’événement principal
L’équitation de taureau est considérée comme la plus dangereuse des épreuves de rodéo de la PRCA. Le cavalier utilise une main pour saisir une corde tressée qui est enroulée autour du taureau. Lorsque la porte s’ouvre, le but du cavalier est d’éviter de toucher le taureau avec sa main libre tout en restant dessus pendant au moins huit secondes. Rester au milieu du taureau tout en gardant le contrôle est également un facteur dans le score.
Photographier l’action rapide de la monte de taureau est un défi dans des conditions d’éclairage variables. Les techniques sont similaires à d’autres types de photographie de sport et d’action. Tôt dans la soirée, la lumière était bonne. Des vitesses d’obturation élevées de plus de 1/500 s pouvaient être maintenues avec des niveaux ISO inférieurs à 400. Cependant, alors que le soleil tombait sous l’horizon, je poussais souvent l’ISO jusqu’à 2500, même lors de prises de vue à une ouverture de f/2.8.
J’ai vraiment apprécié l’expérience de photographier mon premier rodéo. Je tiens à féliciter le conseil d’administration dévoué ainsi que plus de 200 bénévoles pour avoir organisé un événement spectaculaire. Le personnel a été très rapide et m’a aidé à me fournir le laissez-passer pour les médias. À l’avenir, la première semaine de juin sera fermement inscrite dans mon calendrier.
Qu’y a-t-il dans le sac d’un photographe professionnel ? avec Angela Marklew
Si vous avez déjà été curieux de savoir ce qu’il y a dans le sac d’un photographe beauté, ne cherchez pas plus loin. Vous trouverez ci-dessous le contenu de mon étui pour appareil photo. À ce stade, mon matériel photo se déplace dans une valise à roulettes Manfrotto. Assurez-vous que votre étui pour appareil photo est conforme aux directives des compagnies aériennes sur les bagages à main – je déconseille toujours de vérifier votre équipement photo.
Au fur et à mesure que nous avançons, je décomposerai le but de tout et pourquoi j’ai toujours ce genre de choses.
Sur la photo ci-dessus, ce que j’appelle les « essentiels », ou mon équipement de base. Même si je n’avais rien d’autre, je pouvais filmer n’importe quoi en toute confiance, d’un test à un travail commercial avec juste ces choses.
Mon équipement de base est composé de :
- Boîtier Canon 5D MK4 et objectif macro 100 mm
- Cordon d’attache
- Assistants de poche
- Chargeur de batterie et batteries supplémentaires
- Disque dur pour les sauvegardes
Quelques exemples de travail personnel et client tournés avec uniquement l’équipement de base de l’appareil photo :
Ensuite, nous avons l’équipement de secours :
- Un boîtier Canon 5D MK3
- Cartes mémoire et lecteur de carte
- Un deuxième chargeur de batterie
- Un cordon d’attache pour le MK3
- Un deuxième cordon d’attache pour le MK4
J’ai appris à mes dépens l’importance d’avoir des sauvegardes quand il s’agit de votre équipement photo.
J’avais conduit de Los Angeles à San Diego un dimanche pour prendre des photos avec une amie coiffeuse à moi dans son salon. Nous étions à peu près à la moitié du tournage lorsque mon obturateur s’est cassé. Quand je dis cassé, je veux dire une sorte de cassé renvoyé au fabricant. Aucune maison de location n’était ouverte et je n’avais pas d’autre appareil photo avec moi. Un appel très paniqué à mon petit ami et il était en route pour San Diego pour m’apporter son appareil photo afin que je puisse terminer le tournage. Je suis reconnaissant que cela se soit produit lors d’un tournage à basse pression – aucun client n’était impliqué, nous étions tous amis, et traîner pendant deux heures en attendant la caméra n’était pas vraiment difficile.
CreativeLive, une société Fiverr, a annoncé aujourd’hui l’acquisition du contenu et du site Web de Wildist.co.
Wildist.co est l’un des principaux fournisseurs de cours en ligne sur la photographie de plein air et d’aventure. Ces cours sont dispensés par des leaders de l’industrie, notamment Chris Burkard, Alex Strohl, Finn Beales et Benjamin Hardman. L’acquisition renforce encore CreativeLive en tant que première destination d’apprentissage pour les photographes de tous niveaux.
Avec l’expansion du portefeuille de cours de photographie de CreativeLive, Fiverr élargira les ressources disponibles pour sa communauté. Le nouveau contenu de Wildist.co donne aux photographes les outils et l’inspiration nécessaires pour mener leur carrière vers de nouveaux sommets.
« Nos racines sont profondément ancrées dans la photographie. C’est pourquoi j’ai commencé CreativeLive et c’est là que réside ma véritable passion. En tant que plateforme qui cherche à répondre aux besoins en constante évolution de tous les différents types de créateurs, l’acquisition de Wildist.co et de son contenu met en évidence notre engagement continu envers cet espace. Cela contribue à assurer le succès futur des photographes du monde entier »,
Chase Jarvis, fondateur de CreativeLive
« La photographie est également une catégorie importante et robuste sur Fiverr. Il existe une opportunité incroyable pour les photographes d’acquérir de nouvelles compétences grâce au nouveau contenu CreativeLive, puis de monétiser leurs nouvelles compétences sur la plateforme Fiverr. Le réseau Fiverr, y compris CreativeLive, se soucie profondément de responsabiliser les talents et de leur fournir les outils dont ils ont besoin pour se développer professionnellement. Cette acquisition renforce cet engagement.
Il y a plus de photographes qui se lancent dans la photographie en extérieur qu’il n’y en a jamais eu. L’ajout des cours de Wildist élargit la collection existante de CreativeLive de plus de 1 000 cours de photographie. Il élargit également la liste des instructeurs de haut niveau de la plate-forme.
À propos de Wildist.co
Wildist.co a été fondé en 2018 par le photographe de renommée mondiale Alex Strohl et l’innovatrice de marque Laura Schmalstieg. Leur mission est de fournir des ateliers de haute qualité pour aider les photographes. Avec cette acquisition, Wildist.co sera intégré à CreativeLive, où les ateliers et le contenu atteindront un public plus large.
« L’accès aux connaissances des photographes de classe mondiale est limité. Notre objectif en tant que plateforme a toujours été de combler le fossé entre les photographes experts et les passionnés, et de faciliter une expérience d’apprentissage approfondie qui donne à l’étudiant l’impression d’être là en personne. Fiverr et CreativeLive partagent les mêmes objectifs, et nous sommes ravis de voir notre contenu atteindre un public plus large.
Alex Ströhl
Tous les étudiants Wildist.co auront un accès complet à leurs ateliers et abonnements via la plate-forme CreativeLive, et le domaine Wildist.co redirige vers CreativeLive.
L’acquisition démontre l’engagement de Fiverr à développer ses filiales. Il élargit également la catégorie de contenu la plus forte de CreativeLive en ajoutant des cours de photographie en plein air et d’aventure.
“When I am photographing people in my own community I tend to think of them already being a part of my life,” says Vietnamese American photographer and design student Teresa Hoang. Family and community play central roles in her life, and she seeks to capture them as uniquely as she can. It’s all about connecting with the subject for this young photographer. And producing visually pleasing images are the natural outcome.
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In my earlier days of being a photographer, I seldom took enough photographs of my family. Specifically, I didn’t make many photographs of my grandfather. This lack became more apparent last month when I was trying to find a photo of him for an article I was writing. He was our family’s unofficial photographer for decades, and I wish I had more images of him in my archives. After all, photographers deserve to have a decent image taken of themselves too.
For the past decade, I’ve held the responsibility of being the family photographer. I really need to get more images of myself too. Maybe it’s because I grew up before the generation of selfie-takers, but I find it more important to be behind a camera than in front of one. And Teresa Hoang discusses these generational differences in an interview with (service photographie aérienne) in another feature for AAPI month.
The Essential Photo Gear Used by Teresa Hoang
Teresa told us:
(service photographie aérienne): Hi Teresa, please tell us about yourself and how you got into photography.
Teresa Hoang: With every celebration, social gathering, trying moment, or even spare time, while growing up, my family had always documented our lives to remember the time we shared together. I remember always being fascinated with my uncle’s camcorder and the big heavy cameras that he always took with him to record our family social events. After years of being the family’s designated photographer, he later retired from the position. He sold me one of his beginner’s cameras when I was 13, which started my exploration into photography.
Hello! My name is Teresa Hoang, and I am a first-gen Vietnamese American who is majoring in Visual Communications and Design at The Herron School of Art & Design in Indianapolis, Indiana. Photography is a side hobby for me and only started as a medium I used to record my family’s lifestyle. It was later in high school and even more so in college, when I had taken an introductory photography class, that I decided to put a spin on documenting my family and really explore my creativity with my camera. With only some basic photography knowledge and a passion for art, I’ve come to develop a style of storytelling in my photography. I love when a picture tells a story, especially when I’m the one who can convey the unique characteristics of my subjects to others through that storytelling!
(service photographie aérienne): As in many Asian communities, family plays a central role in daily lives. Has a lot of your photography been focused on family, too?
Teresa Hoang: Like many others who grew up in an Asian community, family plays a very big role in my life. Family is first to me before anything else. Vietnamese families tend to be very close to where children will live with their parents until adulthood, and this isn’t seen as a taboo like in America, where children are often kicked out by the age of 18. Oftentimes generations of a Vietnamese family will live under one roof. I’ve grown up to value my family first and often give acts of service as my love language to them. This of course, has affected how I view others communicating through their own love language. Interactions between people, mainly with their loved ones, are the ones I’m passionate about photographing the most, especially if I can capture the history that people share by simply being next to one another.
(service photographie aérienne): What are some ideas and thoughts you focus on when photographing family and members of your community?
Teresa Hoang: Besides my family literally being the topic/subject of most of my work, when I am photographing people in my own community, I tend to think of them already being a part of my life like my uncle, aunt, parents, grandparents, and etc. A group of elderly men on a smoke break reminds me of how resilient my father is and the opportunities he’s sacrificed for his children’s future. How an elderly lady alone in the supermarket with a full cart reminds me of my mother’s trips to the store to provide us with food and a comfortable home. Though I wouldn’t know anything about the stranger’s life, I try to connect with them with someone I’m already familiar with, creating a more warm and intimate shot.
(service photographie aérienne): Does much of your visual styling and inspiration come from your Asian and American roots? Are there other sources of inspiration from over the years?
Teresa Hoang: The inspirations for my photography are not much from my Asian American roots as it is just from my interests in the arts. My inspirations range from the love of Japanese comics since childhood to the studies of oil paintings of the Romanticism movement. I’ve delved into many artistic interests like illustration, painting, film, and sculpting, which has made me view art as a tool that speaks a universal language. Being able to capture people’s most expressive qualities all while presenting an aesthetically pleasing/cinematic photograph is what I call a successful photo.
(service photographie aérienne): As an art student and creative with a camera, does this automatically make you the family’s official photographer?
Teresa Hoang: Definitely. As the child who is the most expressive in my passion for the arts in my family, I’m definitely the one to photograph and record everyone for family events. Not so much anymore ever since the pandemic hit and the popularity of Facebook live among the aunties, but I’m still there for the family photos in the end.
(service photographie aérienne): Is there a visual and creative approach when photographing different generations of the family? Tell us why or why not?
Teresa Hoang: Usually, the older generations in the family would like a standard straightforward photo where everyone is present, faces shown, and standing next to each other. For the younger ones, I tend to capture the moments we share together. I would take a more traditional approach for the older and the younger, more relaxed.
(service photographie aérienne): I see some analog and film looks in your photography. Especially in the series you shot at the Saraga supermarket. Tell us more about this please.
Teresa Hoang: As a first-gen Vietnamese American in my family, I grew up with very little exposure to my culture besides the culture I learned from my family. All while learning another culture from living in Indiana made me feel alienated from both communities, American and Vietnamese. I felt like an outsider looking at them which has influenced most of my street photography. The curiosity of a lost nostalgia and missed opportunities.
I explored these ideas through my final work for my intro photography class in my sophomore year of college. Starting with “Saraga,” a series about the growing immigrant communities within Indianapolis. The marketplace is where most people found home through the people, food, and culture. It was the first big international market where my mother had easier access to provide us with ingredients for Vietnamese cuisine for a Vietnamese home. It’s one of the many places where I found my belongings and childhood memories and I wanted to express its importance to not only my community but hundreds of others. By documenting those who were like my mom, coming to find and bring a part of “home” back to their families, I had also brought back “home” to myself.
(service photographie aérienne): What was your approach to photography before and after art school? What are some of the improvements you’ve noticed? What are the areas in which you’d like to improve?
Teresa Hoang: My approach has definitely changed throughout the years. Before having any knowledge of photography I took pictures of whatever was around me. If it looked nice I took it! It didn’t matter if it was a single blade of grass or a dirty sock as long as it looked aesthetically pleasing to me. Those earlier photos had showed the same curiosity and novice as the child who took them. After years of taking photos here and there, I’m now more knowledgeable in techniques to make my work better. I’ve seen improvements in my composition, which has become more dynamic and expressive as well as my storytelling approach but my love for the connections between people/animals is still the same to this day. Something I am still trying to improve on is the color grading and editing afterward.
(service photographie aérienne): What are some of the quirkier ideas for your photo projects so far? Are there some you’ve got planned for the near future?
Teresa Hoang: My favorite kind of shoots are the ones where the point of the shoot is to just have fun! In my series “Spoopy Time”, my girlfriend and I created ghost photos with my dog Milu and had a blast creating some adorably funny photos. Though currently, I have been working on a more serious project called “Bulls & The Lion.” My goal is to showcase the culture of what the people have made for themselves through the mix of their parent’s homeland and American heritage. Every person I chose to model has made an identity for themselves that is unique to each but at the same time similar in experiences. I want to represent what the incoming and already growing culture of POC and American Immigrants are bringing from within themselves. How we have made an identity for ourselves because we do not really “belong” anywhere. I don’t think it’s something that’s going to be finished anytime soon, but it’s a project I jump back into every once and a while.
All images by Teresa Hoang. Used with permission. Drop by her Behance and Instagram pages to see more of her work.
Ian Meade
Amateur de plein air et amateur de café noir fort, j’ai d’abord trouvé un enthousiasme naissant pour la photographie de paysage dans les années 1970, errant à Richmond Park à l’extérieur de Londres avec un Kodak 110 Instamatic. Avance rapide de 40 ans, et j’ai redécouvert les joies d’errer dans le pays avec un format d’appareil photo tout aussi petit, cette fois fabriqué par Olympus. J’ai récemment pris ma retraite d’une carrière en géophysique, où je passais la plupart de mon temps à photographier l’intérieur de la Terre. Je réside maintenant dans l’État de Washington, où je passe une grande partie de mon temps à imaginer la surface de la terre. Je suppose que des thèmes communs traversent ma vie !
justcapturedphotons.com
Tulsa, Oklahoma, n’est probablement pas le premier endroit qui vient à l’esprit lorsqu’on cherche l’inspiration pour la photographie de paysage. Pourtant, niché dans les collines d’Osage, à quelques kilomètres du centre-ville, se trouve le musée Gilcrease, abritant une collection exceptionnelle d’art de l’Ouest américain. Le musée se trouve sur 460 acres broussailleux et canalisés qui sont photogéniques à part entière, mais à mon avis, l’exposition phare est l’huile sur toile d’Albert Bierstadt, « Sierra Nevada Morning ». Qu’est-ce qu’une peinture fait dans un article de fin de cadre ? Je t’entends protester. Eh bien, pour moi, c’est l’une des images les plus percutantes que j’ai vues – qu’elles soient peintes ou photographiées. Pardonnez mon audace et supportez-moi.
Albert Bierstadt était un peintre prolifique, créant plus de 500 œuvres tout au long de sa carrière. Il est né à Solingen, en Allemagne, en 1830. Sa famille a émigré à New Bedford, Massachusetts, alors qu’Albert était enfant. Enfant et dans sa jeunesse, il avait un penchant pour l’art et il retourna en Allemagne en 1853 pour étudier la peinture à l’école de Düsseldorf. Il retourna à New Bedford en 1857, maintenant un peintre techniquement compétent, et enseigna le dessin et la peinture pendant un certain temps avant de s’engager à plein temps dans sa propre peinture. Il s’est d’abord concentré sur des scènes de la région de la Nouvelle-Angleterre et du nord de l’État de New York. Il s’est associé à la Hudson River School, avec laquelle il a développé son style très romancé et détaillé qui a vu le jour pendant qu’il peignait des scènes alpines en Europe. Alors qu’Albert développait ce style désormais célèbre, ses frères, Charles et Edward, expérimentaient la technologie en évolution rapide de la photographie et avaient créé une petite entreprise, utilisant notamment la photographie stéréo. Albert a apparemment collaboré avec eux dans leurs efforts et a trouvé que les stéréogrammes étaient un outil de référence utile pour une représentation réaliste tout en travaillant sur ses peintures.
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Habitant au bord de la mer, on s’adapte aux rythmes de la marée et de la lune. C’est juste une partie du flux de la vie. Marianthi vit très près du rivage depuis plus de cinquante ans. Alors peut-être était-il inévitable que le littoral devienne la principale source d’inspiration de son travail.
La nature transitoire du paysage littoral est infiniment fascinante, tout comme un environnement aussi dynamique. Ces terres côtières ont été au centre de son nouveau projet, « Sea Signatures ». Ce projet a été une exploration des processus de médias mixtes, ce qui était une progression naturelle car elle travaillait déjà avec le cyanotype.
Nous vous avons parlé pour la dernière fois en 2014 lorsque nous vous avons interviewé en tant que photographe vedette. Parlez-nous de votre travail et de vos projets depuis.
En relisant l’entretien de 2014 avec Michela, je me rends compte à quel point mon travail, mes processus et mes motivations ont changé au cours des huit dernières années. À cette époque, l’ensemble de mon flux de travail, de la capture d’image à la production d’une impression finale, reposait uniquement sur les technologies numériques. Après une décennie de travail de cette manière, au début de 2016, j’avais commencé à ressentir le besoin d’explorer une approche plus « pratique », un désir d’embrasser plus d’expérimentation, de trouver des moyens de défier ma nature quelque peu perfectionniste et de travailler de manière moins contrôlée. À peu près à la même époque, j’ai connu une période prolongée de blocage créatif, en partie à cause de la « surcharge numérique », mais aussi du fait de trop répondre aux demandes des clients commerciaux et privés. Essentiellement, je créais le même genre de photographies, répétant (souvent inconsciemment) ce qui était devenu une formule financièrement lucrative, mais qui ne me procurait plus beaucoup de joie créative.
Piscine de marée #10, 2021.
Eau de mer résiduelle provenant de la vague de rétrolavage.
Cyanotype sur pastel.
19 x 19 cm
En mettant de côté mon équipement numérique, je crée des tirages en utilisant des procédés sans caméra depuis environ six ans maintenant. J’ai continué à travailler à l’extérieur dans des paysages familiers et des espaces préférés mais avec une inspiration renouvelée. J’ai également exploré les techniques mixtes. L’expérimentation et le jeu semblent très importants de nos jours.
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