STILLDRONE

CreativeLive, une société Fiverr, a annoncé aujourd’hui l’acquisition du contenu et du site Web de Wildist.co.

Wildist.co est l’un des principaux fournisseurs de cours en ligne sur la photographie de plein air et d’aventure. Ces cours sont dispensés par des leaders de l’industrie, notamment Chris Burkard, Alex Strohl, Finn Beales et Benjamin Hardman. L’acquisition renforce encore CreativeLive en tant que première destination d’apprentissage pour les photographes de tous niveaux.

Avec l’expansion du portefeuille de cours de photographie de CreativeLive, Fiverr élargira les ressources disponibles pour sa communauté. Le nouveau contenu de Wildist.co donne aux photographes les outils et l’inspiration nécessaires pour mener leur carrière vers de nouveaux sommets.

« Nos racines sont profondément ancrées dans la photographie. C’est pourquoi j’ai commencé CreativeLive et c’est là que réside ma véritable passion. En tant que plateforme qui cherche à répondre aux besoins en constante évolution de tous les différents types de créateurs, l’acquisition de Wildist.co et de son contenu met en évidence notre engagement continu envers cet espace. Cela contribue à assurer le succès futur des photographes du monde entier »,

Chase Jarvis, fondateur de CreativeLive

« La photographie est également une catégorie importante et robuste sur Fiverr. Il existe une opportunité incroyable pour les photographes d’acquérir de nouvelles compétences grâce au nouveau contenu CreativeLive, puis de monétiser leurs nouvelles compétences sur la plateforme Fiverr. Le réseau Fiverr, y compris CreativeLive, se soucie profondément de responsabiliser les talents et de leur fournir les outils dont ils ont besoin pour se développer professionnellement. Cette acquisition renforce cet engagement.

Il y a plus de photographes qui se lancent dans la photographie en extérieur qu’il n’y en a jamais eu. L’ajout des cours de Wildist élargit la collection existante de CreativeLive de plus de 1 000 cours de photographie. Il élargit également la liste des instructeurs de haut niveau de la plate-forme.

À propos de Wildist.co

Wildist.co a été fondé en 2018 par le photographe de renommée mondiale Alex Strohl et l’innovatrice de marque Laura Schmalstieg. Leur mission est de fournir des ateliers de haute qualité pour aider les photographes. Avec cette acquisition, Wildist.co sera intégré à CreativeLive, où les ateliers et le contenu atteindront un public plus large.

« L’accès aux connaissances des photographes de classe mondiale est limité. Notre objectif en tant que plateforme a toujours été de combler le fossé entre les photographes experts et les passionnés, et de faciliter une expérience d’apprentissage approfondie qui donne à l’étudiant l’impression d’être là en personne. Fiverr et CreativeLive partagent les mêmes objectifs, et nous sommes ravis de voir notre contenu atteindre un public plus large.

Alex Ströhl

Tous les étudiants Wildist.co auront un accès complet à leurs ateliers et abonnements via la plate-forme CreativeLive, et le domaine Wildist.co redirige vers CreativeLive.

L’acquisition démontre l’engagement de Fiverr à développer ses filiales. Il élargit également la catégorie de contenu la plus forte de CreativeLive en ajoutant des cours de photographie en plein air et d’aventure.

“When I am photographing people in my own community I tend to think of them already being a part of my life,” says Vietnamese American photographer and design student Teresa Hoang. Family and community play central roles in her life, and she seeks to capture them as uniquely as she can. It’s all about connecting with the subject for this young photographer. And producing visually pleasing images are the natural outcome.

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In my earlier days of being a photographer, I seldom took enough photographs of my family. Specifically, I didn’t make many photographs of my grandfather. This lack became more apparent last month when I was trying to find a photo of him for an article I was writing. He was our family’s unofficial photographer for decades, and I wish I had more images of him in my archives. After all, photographers deserve to have a decent image taken of themselves too.

For the past decade, I’ve held the responsibility of being the family photographer. I really need to get more images of myself too. Maybe it’s because I grew up before the generation of selfie-takers, but I find it more important to be behind a camera than in front of one. And Teresa Hoang discusses these generational differences in an interview with (service photographie aérienne) in another feature for AAPI month.

The Essential Photo Gear Used by Teresa Hoang

Teresa told us:

(service photographie aérienne): Hi Teresa, please tell us about yourself and how you got into photography.

Teresa Hoang: With every celebration, social gathering, trying moment, or even spare time, while growing up, my family had always documented our lives to remember the time we shared together. I remember always being fascinated with my uncle’s camcorder and the big heavy cameras that he always took with him to record our family social events. After years of being the family’s designated photographer, he later retired from the position. He sold me one of his beginner’s cameras when I was 13, which started my exploration into photography.

Hello! My name is Teresa Hoang, and I am a first-gen Vietnamese American who is majoring in Visual Communications and Design at The Herron School of Art & Design in Indianapolis, Indiana. Photography is a side hobby for me and only started as a medium I used to record my family’s lifestyle. It was later in high school and even more so in college, when I had taken an introductory photography class, that I decided to put a spin on documenting my family and really explore my creativity with my camera. With only some basic photography knowledge and a passion for art, I’ve come to develop a style of storytelling in my photography. I love when a picture tells a story, especially when I’m the one who can convey the unique characteristics of my subjects to others through that storytelling!

(service photographie aérienne): As in many Asian communities, family plays a central role in daily lives. Has a lot of your photography been focused on family, too?

Teresa Hoang: Like many others who grew up in an Asian community, family plays a very big role in my life. Family is first to me before anything else. Vietnamese families tend to be very close to where children will live with their parents until adulthood, and this isn’t seen as a taboo like in America, where children are often kicked out by the age of 18. Oftentimes generations of a Vietnamese family will live under one roof. I’ve grown up to value my family first and often give acts of service as my love language to them. This of course, has affected how I view others communicating through their own love language. Interactions between people, mainly with their loved ones, are the ones I’m passionate about photographing the most, especially if I can capture the history that people share by simply being next to one another.

(service photographie aérienne): What are some ideas and thoughts you focus on when photographing family and members of your community?

Teresa Hoang: Besides my family literally being the topic/subject of most of my work, when I am photographing people in my own community, I tend to think of them already being a part of my life like my uncle, aunt, parents, grandparents, and etc. A group of elderly men on a smoke break reminds me of how resilient my father is and the opportunities he’s sacrificed for his children’s future. How an elderly lady alone in the supermarket with a full cart reminds me of my mother’s trips to the store to provide us with food and a comfortable home. Though I wouldn’t know anything about the stranger’s life, I try to connect with them with someone I’m already familiar with, creating a more warm and intimate shot.

(service photographie aérienne): Does much of your visual styling and inspiration come from your Asian and American roots? Are there other sources of inspiration from over the years?

Teresa Hoang: The inspirations for my photography are not much from my Asian American roots as it is just from my interests in the arts. My inspirations range from the love of Japanese comics since childhood to the studies of oil paintings of the Romanticism movement. I’ve delved into many artistic interests like illustration, painting, film, and sculpting, which has made me view art as a tool that speaks a universal language. Being able to capture people’s most expressive qualities all while presenting an aesthetically pleasing/cinematic photograph is what I call a successful photo.

(service photographie aérienne): As an art student and creative with a camera, does this automatically make you the family’s official photographer?

Teresa Hoang: Definitely. As the child who is the most expressive in my passion for the arts in my family, I’m definitely the one to photograph and record everyone for family events. Not so much anymore ever since the pandemic hit and the popularity of Facebook live among the aunties, but I’m still there for the family photos in the end.

(service photographie aérienne): Is there a visual and creative approach when photographing different generations of the family? Tell us why or why not?

Teresa Hoang: Usually, the older generations in the family would like a standard straightforward photo where everyone is present, faces shown, and standing next to each other. For the younger ones, I tend to capture the moments we share together. I would take a more traditional approach for the older and the younger, more relaxed.

(service photographie aérienne): I see some analog and film looks in your photography. Especially in the series you shot at the Saraga supermarket. Tell us more about this please.

Teresa Hoang: As a first-gen Vietnamese American in my family, I grew up with very little exposure to my culture besides the culture I learned from my family. All while learning another culture from living in Indiana made me feel alienated from both communities, American and Vietnamese. I felt like an outsider looking at them which has influenced most of my street photography. The curiosity of a lost nostalgia and missed opportunities.

I explored these ideas through my final work for my intro photography class in my sophomore year of college. Starting with “Saraga,” a series about the growing immigrant communities within Indianapolis. The marketplace is where most people found home through the people, food, and culture. It was the first big international market where my mother had easier access to provide us with ingredients for Vietnamese cuisine for a Vietnamese home. It’s one of the many places where I found my belongings and childhood memories and I wanted to express its importance to not only my community but hundreds of others. By documenting those who were like my mom, coming to find and bring a part of “home” back to their families, I had also brought back “home” to myself.

(service photographie aérienne): What was your approach to photography before and after art school? What are some of the improvements you’ve noticed? What are the areas in which you’d like to improve?

Teresa Hoang: My approach has definitely changed throughout the years. Before having any knowledge of photography I took pictures of whatever was around me. If it looked nice I took it! It didn’t matter if it was a single blade of grass or a dirty sock as long as it looked aesthetically pleasing to me. Those earlier photos had showed the same curiosity and novice as the child who took them. After years of taking photos here and there, I’m now more knowledgeable in techniques to make my work better. I’ve seen improvements in my composition, which has become more dynamic and expressive as well as my storytelling approach but my love for the connections between people/animals is still the same to this day. Something I am still trying to improve on is the color grading and editing afterward.

(service photographie aérienne): What are some of the quirkier ideas for your photo projects so far? Are there some you’ve got planned for the near future?

Teresa Hoang: My favorite kind of shoots are the ones where the point of the shoot is to just have fun! In my series “Spoopy Time”, my girlfriend and I created ghost photos with my dog Milu and had a blast creating some adorably funny photos. Though currently, I have been working on a more serious project called “Bulls & The Lion.” My goal is to showcase the culture of what the people have made for themselves through the mix of their parent’s homeland and American heritage. Every person I chose to model has made an identity for themselves that is unique to each but at the same time similar in experiences. I want to represent what the incoming and already growing culture of POC and American Immigrants are bringing from within themselves. How we have made an identity for ourselves because we do not really “belong” anywhere. I don’t think it’s something that’s going to be finished anytime soon, but it’s a project I jump back into every once and a while.

All images by Teresa Hoang. Used with permission. Drop by her Behance and Instagram pages to see more of her work.

« Les colombes au cœur saignant tirent leur nom de leur chaume de plumes de poitrine qui imite une poitrine imbibée de sang », a déclaré l’artiste. Leïla Jeffreys dit. Endémique des Philippines, le Luzon Bleeding-heart est classé comme quasi menacé, faisant face à la pression de la déforestation et de la destruction de son habitat. Dans le portrait de Jeffreys d’un oiseau de cette espèce-maintenant sur la vue à Galerie Olsen à Sydney dans le cadre de son exposition La blessure est l’endroit où la lumière entre– le sein semble en effet taché de sang.

Alors que les feux de brousse de 2019 à 2020 ravageaient la côte est de l’Australie, Jeffreys s’est retrouvée à revenir à ce portrait; les marques rouges naturelles sur la poitrine sont devenues le symbole des nombreuses blessures infligées à notre planète et à ses habitants. Selon les estimations, les incendies sans précédent ont touché 180 millions d’oiseaux en Australie. Certains de leurs corps ont été creusés dans des tas de cendres et d’autres ont été retrouvés échoués sur le rivage après avoir été ramenés en mer. De nombreux oiseaux qui ont survécu sont morts plus tard de faim, d’exposition à des prédateurs et des blessures qu’ils avaient subies pendant les incendies.

C’est durant cette période de perte insondable que l’idée de La blessure est l’endroit où la lumière entre est né. Jeffreys a trouvé son titre dans une ligne d’un poème Rumi; l’exposition présente des photographies d’oiseaux, toutes avec des marques rouges naturelles. Les oiseaux portent leurs « blessures » avec grâce. Ensemble, ils parlent de notre deuil collectif ; pour Jeffreys, ils sont également des rappels durables de l’importance d’affronter ce chagrin de front, plutôt que de détourner les yeux. De la douleur coule l’amour.

Le travail de Jeffreys avec les oiseaux l’a amenée à travers le monde; elle a photographié des macareux en Islande, les cacatoès noirs brillants sur Kangaroo Island et, bien sûr, les pigeons indigènes des Philippines. Elle rêve de travailler avec un albatros. Pendant des années, l’artiste a travaillé avec des défenseurs de l’environnement, des sanctuaires et des ornithologues, emportant avec elle un studio mobile afin que les oiseaux puissent être photographiés là où ils sont le plus à l’aise. Un soignant ou un sauveteur restera présent, et Jeffreys prendra le temps de connaître chaque oiseau selon ses propres termes.

Lorsque les oiseaux sont détendus et se sentent en sécurité, leur véritable personnalité brille. Au National Threatened Species Institute (NTSI), elle a pu rencontrer un cacatoès des Moluques, une espèce qui a décliné ces dernières années en raison de la perte d’habitat et du piégeage illégal. L’oiseau individuel que Jeffreys a photographié a tellement apprécié le temps qu’ils ont passé ensemble qu’elle a « poliment refusé » de partir après la fin de la session. Elle figure en bonne place dans l’exposition à la Olsen Gallery.

Le bonsaï devient un motif récurrent tout au long de l’exposition ; sur ses branches se perchent des pinsons zébrés blancs, des pinsons cordon-bleu, etc. « J’ai sélectionné les Bonsaïs car ils sont symboles d’harmonie et d’équilibre. » dit l’artiste. « Les bouddhistes zen voient les bonsaïs comme un objet de contemplation, une idée qui se répète tout au long de mon exposition. »

Alors que les oiseaux dans la « vraie vie » sont toujours en mouvement, vous pouvez regarder les oiseaux sur ces photographies pour toujours – et c’est une exposition qui nous encourage à prendre notre temps. Voir un portrait de Jeffreys pour la première fois, c’est un peu comme voir un oiseau en vol pour la première fois ; vous pouvez presque sentir votre cœur battre dans votre poitrine. Peut-être est-ce dû à l’admiration de la photographe elle-même, qui aborde chaque oiseau, du plus commun au plus insaisissable, avec le même sens de la curiosité et de l’émerveillement. Chaque oiseau a ses secrets.

Le Luzon Bleeding-heart ne fait pas exception : personne ne sait avec certitude pourquoi ils ont ces marques rouge sang. « J’ai demandé à Tim Low (le meilleur écologiste d’Australie) », Jeffreys récemment partagé sur Instagram. « Il a simplement dit que ce que nous voyons est différent de ce qu’ils voient. On voit une blessure. Mais par exemple, une suggestion simple pourrait être que la colombe femelle au cœur saignant pourrait voir un panache de belles plumes rouge vif et être attirée par le garçon avec la plus grande et la plus brillante tache.

Cela me rappelle quelque chose d’autre que Tim Low a dit un jour, une phrase qui me revient à maintes reprises en regardant ces photographies : « Tout ce qui est vivant est essentiellement un mystère. » Voir La blessure est l’endroit où la lumière entre à la Olsen Gallery jusqu’à ce samedi 29 octobre.

Toutes les photos © Leïla Jeffreys

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Par personnel

Mis à jour le 18 octobre 2022

« Les règles ne sont pas bonnes si elles ne fonctionnent pas ! Les seules vraies règles sont les lois de la physique et de l’optique. -Doyen Collins

Dean Collins était un maître de l’éclairage – à la fois en l’utilisant pour faire de superbes photographies et en enseignant le fonctionnement de la lumière. Dean n’a pas fourni de recettes pour les configurations d’éclairage. Il a expliqué la lumière elle-même. Il a enseigné ce qu’était la lumière et pourquoi elle fonctionnait comme elle le fait.

Séminaires d’éclairage

Au début des années 1980, Bell & Howell Mamiya Company a parrainé des séminaires d’éclairage Dean Collins à travers les États-Unis pour promouvoir la gamme Mamiya d’appareils photo professionnels de format moyen. J’ai travaillé pour l’entreprise en tant que représentant technique. L’une de mes tâches consistait à aider Dean dans ses présentations. A ce titre, j’ai eu l’honneur de le voir expliquer comment la lumière fonctionnait au moins 20 fois. Il montrait une photo puis se rendait dans les coulisses avec ses projecteurs de diapositives multimédias pour montrer les configurations. Je me suis assis avec les autres dans chaque séminaire et j’ai absorbé le fonctionnement interne de la lumière.

Plus que la configuration

Voir la configuration des lumières était super. Mieux encore, Dean Collins a expliqué ce qui se passait et pourquoi cela fonctionnait de cette façon. Il s’est rendu compte que la lumière et son fonctionnement étaient une constante. La lumière fonctionnait toujours de la même manière. Les objectifs et les caméras enregistraient la lumière de manière reproductible. La clé était de comprendre la lumière. Dean en était le maître et un enseignant magistral. Il a compris que la photographie était une question de lumière et non d’appareil photo.

Photographe commercial

Dean Collins avait un studio sur G Street à San Diego où il travaillait pour des clients. Il a tout photographié, des voitures aux hôtels en passant par la mode, la beauté et les entreprises. Toutes ses photographies racontaient les histoires que ses clients voulaient faire passer à leurs clients.

J’ai visité son studio et je l’ai regardé tourner un set de mode. Il a créé l’éclairage qu’il souhaitait sur le modèle, a mesuré la lumière, puis a réalisé un test Polaroid. Le Polaroid a confirmé ce qu’il savait déjà : il avait le look qu’il voulait. Il remet une pellicule sur la caméra et travaille avec le modèle à travers une dizaine de poses et d’expressions. Il a changé de dos de film et a pris douze autres photographies sur des diapositives couleur. Après le deuxième lancer, il a dit poliment « Merci, j’ai compris ! » au modèle. La partie tournage a duré peut-être cinq minutes.

Pas de bracketing

Dean Collins n’a pas encadré ses expositions pendant la séance avec le modèle. Il se concentra sur le regard que lui lançait le mannequin. Il savait que tous les aspects techniques du tournage étaient verrouillés. Seul son sujet comptait. Lorsqu’il m’a montré le film développé, il n’était pas surprenant que chaque exposition soit parfaite. Il ne restait plus qu’à choisir le coup du héros.

Finelight

Dean Collins a vécu pour la lumière, la capturant sur film et enseignant à d’autres photographes comment faire ce qu’il faisait. Il travaillait alors que toutes les photographies étaient réalisées sur pellicule.

Ses publications Finelight présentaient son travail sur leurs couvertures et à l’intérieur des pages montraient des tests Polaroid et des explications détaillées accompagnées de schémas d’éclairage faciles à comprendre. Son travail couvre tous les domaines de la photographie. Il a fait des produits, de la nourriture, des éditoriaux, des effets spéciaux et des portraits dans son studio et sur place.

La photo d’ouverture présente des images de Dean Collins de ma collection personnelle de portfolios Finelight.

Mauvais sens de l’humour

Dean Collins a enseigné à des foules de photographes passionnés qui voulaient comprendre les mystères du fonctionnement de la lumière. Ses propos étaient parsemés de blagues. L’une de mes préférées est lorsqu’il décrit ce que font les photographes.

Il a dit, paraphrasant maintenant, « Les photographes prennent des objets qui existent en quatre dimensions – hauteur, largeur, profondeur et temps, puis les traduisent en deux dimensions, hauteur et largeur pour les directeurs artistiques unidimensionnels. » Les photographes ont adoré ça.

Skip Cohen, président de Platypod et directeur de l’Université Skip Cohen, a parlé de sa participation aux séminaires de Dean Collins. « J’ai assisté à des centaines d’ateliers et personne ne se compare au style et au niveau de confort de Dean lorsqu’il s’agit d’être devant une foule », a écrit Cohen. «Il était aussi rapide sur ses volées de retour. Une fois qu’on lui a demandé : « Dean, il n’est pas étonnant que toutes vos images soient époustouflantes ; regardez comme tous vos modèles sont beaux. Ne photographiez-vous jamais des personnes moches ? » Il n’y a pas eu une seconde d’hésitation lorsqu’il a répondu: « Bien sûr que oui et pourquoi ne rassemblez-vous pas votre famille et venez ici tout de suite et nous ferons un portrait! »

« La beauté est dans l’œil du détenteur du chéquier » a dit un jour Dean Collins. Je suis presque sûr qu’il a également été le premier à remarquer que les clients sont leur pire ennemi.

Dean Collins sur les intérieurs

Il était très demandé pour sa capacité à rendre les chambres d’hôtel accueillantes et dignes d’être visitées. Il a décrit la photographie d’intérieurs de cette façon : « Éclairer une pièce, c’est 5 % de technique et 95 % de meubles en mouvement. »

Cette vidéo est une gracieuseté de Photoshop Cafe. Il montre un segment de l’ensemble de DVD « Dean Collins on Lighting – Live at Brooks Institute of Photography » qui le montre partageant comment éclairer les chambres d’hôtel. La vidéo a été réalisée en 1991 bien avant la vidéo HD et les caméras à plage dynamique élevée. Alors que la qualité est médiocre par rapport aux normes d’aujourd’hui, l’information est inestimable.

Asseyez-vous pendant sept minutes et demie et rencontrez Dean Collins que j’ai eu la chance de voir tant de fois en direct et de travailler avec lui à l’aube de la photographie numérique. Comme tant d’autres qui connaissaient et aimaient Dean, j’ai toujours son numéro de téléphone portable dans mes contacts. Il était et est mon ami. Je pense souvent à lui, surtout lors de l’éclairage d’une scène.

Sources : Université Skip Cohen, Photoshop Cafe, San Diego Union-Tribune.

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