Le Kapellbrücke (pont de la chapelle) à Lucerne est le plus ancien pont en bois d’Europe. Construit vers 1360, il a été presque détruit par un incendie en 1993. Le pont enjambe la rivière Reuss et présente de manière unique des cadres intérieurs triangulaires contenant des peintures datant du XVIIe siècle, représentant des événements locaux de l’histoire de la ville.
Cette photo a été prise au lever du soleil, la seule fois où vous pouvez trouver le pont vide de monde ! Alors que le lever du soleil éclairait les bâtiments le long de la rivière, vous pouvez voir le reflet du soleil et des rayons de la rivière à travers une ouverture de pont.
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Auparavant, j’ai suivi une formation de graphiste à Londres avant de déménager à Charlotte, en Caroline du Nord en 2002, où je possédais un petit studio de photographie spécialisé dans le portrait et la photographie de mode. En 2014, j’ai obtenu un BSc en arts libéraux de la New School à New York.
Plus récemment, j’ai exploré les processus photographiques expérimentaux et la photographie analogique, considérant ainsi l’intersectionnalité entre l’art, la nature et la science. Je travaille avec des objets et des liquides organiques et inorganiques, souvent trouvés dans la maison, en contact avec du papier photo périmé / N&B et couleur provenant du monde entier.
Contrairement à la photographie plus conventionnelle, où le photographe est souvent éloigné du sujet, cette pratique me permet de m’engager activement et d’entrer en contact avec la matérialité de l’objet et de la surface. De cette manière, ma présence en tant qu’artiste fait partie intégrante de la réaction chimique de création d’images qui me permet également de considérer et de me connecter avec mon environnement. Mon travail à ce jour vise à provoquer une réponse émotionnelle, en ouvrant des frontières qui remettent en question ce qu’est une photographie, ce qu’elle peut être et son impact sur le monde qui nous entoure.
paulapink.(Site spécialisé photographie aérienne)
Michela Griffith
En 2012, je me suis arrêté près de ma rivière locale et tout a changé. Je me suis éloigné de ce que beaucoup attendent des photographies : mes images déconstruisent le littéral et réinventent le subjectif, reflétant la curiosité que l’eau a inspirée dans ma pratique. L’eau a été mon conduit : elle a aiguisé ma vision, m’a permis d’expérimenter et continue de m’initier à de nouvelles façons de voir.
michelagriffith.com
Prairie sauvage
Le travail et la vie de Paula l’ont amenée du graphisme à Londres au portrait et à la photographie de mode/studio à Charlotte, en Caroline du Nord. Depuis quelques années, elle expérimente des procédés photographiques alternatifs. Ces derniers, notamment les cyanotypes, sont devenus populaires récemment. Alors que la photographie numérique devient plus contrôlable, il est peut-être inévitable que certains veuillent ramener l’artisanat physique et le hasard dans le médium. Je suis tombé sur le travail de Paula sur Instagram et j’ai pensé qu’il serait bon d’en savoir plus à la fois sur son parcours et sur la variété des différents processus expérimentaux avec lesquels elle a travaillé. Cela a été une période particulièrement chargée pour elle, avec deux de ses watergrams – Skimming Stones et Our World – sélectionnés pour être exposés à l’exposition d’été de la Royal Academy 2022.
Aimeriez-vous commencer par parler un peu de vous aux lecteurs – où vous avez grandi, quels étaient vos premiers intérêts et ce que cela vous a amené à faire ?
Je suis né dans le Cambridgeshire, en Angleterre, en 1965 et j’ai déménagé à Édimbourg, en Écosse, quand j’avais trois ans. Mon père, qui était pilote de chasse, avait été tué dans un accident d’avion, et ma mère a été forcée de quitter la base aérienne avec trois jeunes enfants et a choisi de vivre près de sa sœur. Édimbourg était un endroit merveilleux pour grandir car c’est une petite ville imprégnée d’histoire et de culture, et la région environnante est incroyablement pittoresque et accessible, même si je suis sûr que j’aurais dû l’apprécier davantage à l’époque. Je n’ai jamais été très bon en dessin ou en peinture, j’ai donc trouvé un exutoire expressif dans la photographie et la chambre noire ; nous avions un très bon département d’art et un fabuleux professeur de photographie qui m’a toujours encouragé. Elle m’a suggéré de m’inscrire à une école d’art et j’ai fini par me spécialiser dans le graphisme pendant les quatre années suivantes. On pourrait dire que je suis « tombé » dans la discipline parce que c’était nouveau et excitant, et que je voulais faire quelque chose de différent.
Mes années universitaires étaient à la fois pratiques et professionnelles avec de nombreux ateliers axés sur les compétences, comme c’était le cas avant que les ordinateurs ne soient là pour créer des caractères, déplacer une image, la manipuler ou modifier les proportions ; c’était l’époque de la composition, du Letraset et du collage copier-coller, et si vous faisiez une erreur, vous deviez recommencer. La manipulation des photos était entièrement effectuée manuellement, ce qui était souvent laborieux et chronophage – correction des expositions, esquive et gravure, recadrage des images dans l’agrandisseur et superposition des négatifs. Les films et les tirages étaient développés et imprimés manuellement, et le processus alchimique était profondément satisfaisant. J’ai apprécié la paix et la solitude de la chambre noire, qui nécessitent de la concentration et de la patience, beaucoup d’essais et d’erreurs et une prise de décision rapide ; c’était expérimental, auto-expressif et impliqué – à la fois mentalement et physiquement. Avec le recul, ce fut une excellente formation pour le travail pratique dans lequel je suis engagé aujourd’hui.
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Les poses des mains sont si importantes dans la photographie de portrait ; ils peuvent transmettre la force, la douceur, l’amour, l’affection, etc.
Cependant, pour les débutants, poser les mains peut être extrêmement difficile. Après tout, comment rendre les mains élégantes et douces ? Comment rendre les mains aimantes et affectueuses ? Comment pouvez-vous placer les mains pour transmettre un maximum d’émotion?
En tant que photographe de mariage professionnel, je travaille tout le temps avec les mains – et dans cet article, je partage mes secrets pour obtenir les meilleurs résultats.
Faisons cela!
1. Dirigez les côtés des mains vers l’appareil photo
Les meilleures poses de main ont tendance à ressembler élégant. Et d’après mon expérience, le moyen le plus simple d’atteindre l’élégance est simplement d’éviter de faire face au dos de la main directement vers l’appareil photo.
Vous voyez, le dos de la main est large et s’il est aligné avec le plan de l’image, il occupera souvent une place importante dans le cadre. Cela peut donner l’impression que les mains sont plus grandes qu’elles ne le sont en réalité, et cela peut rendre les mains féminines assez masculines.
Ainsi, lorsque vous travaillez sur les mains de votre sujet, demandez-lui d’incliner le dos de ses mains loin de l’appareil photo. Le but n’est pas d’éviter de montrer le dos entièrement. Au lieu de cela, c’est pour le montrer sous un angle, de sorte que les aiguilles semblent plus petites et plus dynamiques :
D’après mon expérience, cette simple torsion du poignet – de sorte que la plus petite partie de la main soit visible – est tout ce qu’il faut pour niveler une image de meh à wow.
2. Assurez-vous que les mains sont douces
La plupart des femmes préfèrent afficher des mains douces, délicates et élégantes. Cependant, s’ils sont nerveux à l’idée de poser pour des photos, leurs mains ont tendance à se serrer à la place, et les images résultantes semblent loin d’être idéales.
Faites donc ce que vous pouvez pour détendre votre sujet. Parlez-leur au préalable. Parlez-leur pendant que vous tirez. Dites-leur qu’ils font un excellent travail.
Et puis, quand vous êtes prêt à poser les mains, expliquez-leur le but : desserrer les mains, pour qu’elles soient douces.
S’il a du mal à le faire, vous pouvez lui demander de tendre complètement la main, puis de la laisser retomber et se détendre. Demandez-leur de remuer leurs doigts. (Une bonne métaphore est un ballon : lorsque vos mains sont serrées, il est gonflé. Lorsque vos mains sont lâches, vous avez laissé sortir un peu d’air !)
Ensuite, pendant que vous prenez des photos, gardez un œil sur leurs mains. Et s’ils commencent à se contracter, faites-leur refaire l’exercice !
Au fait, si vous posez des hommes qui souhaitent avoir l’air intense, vous pouvez leur faire faire le contraire : serrez leurs doigts, et peut-être même serrez leurs poings. Les images résultantes seront plus intenses.
3. Pliez ce poignet !
Plus la main est droite, moins la photo résultante est dynamique. Et d’après mon expérience, plus la composition du portrait est dynamique, mieux c’est !
Demandez donc à votre sujet d’ajouter un coude à son poignet. Notez qu’il n’est pas nécessaire de créer un énorme fracture du poignet; au lieu de cela, ajoutez juste assez de mouvement pour créer plus de forme et de texture.
Remarquez comment, sur la photo ci-dessous, les deux poignets sont légèrement pliés (et les deux mains sont également douces ; voir le conseil précédent !).
Comme pour le conseil précédent, cependant, il est parfois judicieux de créer des poses de main plus rigides et tendues, surtout si vous photographiez des hommes. Donc, si les mains de votre sujet semblent un peu trop fragiles, n’ayez pas peur de dire à votre sujet de faire ses poignets droit.
4. Avoir les mains en train de faire quelque chose de naturel
Si votre sujet a du mal avec les poses des mains, il peut souvent être utile de lui donner quelque chose à faire. Occuper les mains ajoutera un peu d’intérêt, et cela détendra également le sujet en donnant à son esprit quelque chose sur quoi se concentrer.
Tu peux:
Demandez-leur de tenir une fleur ou un bouquet (celui-ci fonctionne particulièrement bien pour faire des portraits de mariage !)
Demandez-leur de tenir une bague (c’est bon pour les séances de fiançailles)
Demandez-leur de fixer ou de tenir leurs vêtements (par exemple, un homme peut tenir sa cravate, tandis qu’une femme peut tenir les côtés de sa robe)
Demandez-leur de jouer avec leurs cheveux (celui-ci fonctionne mieux pour les femmes, mais vous pouvez toujours demander à un homme de se passer la main dans les cheveux)
Un conseil : assurez-vous de demander à votre sujet de faire quelque chose de naturel, quelque chose qu’il ferait avec désinvolture lorsqu’il n’est pas devant l’appareil photo. Sinon, les clichés peuvent sembler un peu trop posés et étouffants.
5. Lorsque vous posez deux mains, incluez beaucoup de touches
Si vous travaillez avec un couple – que ce soit pour une séance de fiançailles, une séance de mariage ou simplement un portrait de famille dans le parc – intégrez autant d’interaction que possible.
Autrement dit, ne le faites pas poser les mains de chaque sujet séparément. Au lieu de cela, demandez aux sujets de s’engager les uns avec les autres et assurez-vous que les mains sont également engagées.
Un bon point de départ est une simple prise de main : demandez aux partenaires de se tenir la main comme s’ils marchaient dans la rue.
Ensuite, vous pouvez leur demander de se câliner ou demander à l’un des partenaires de toucher la main, l’avant-bras, la poitrine ou le visage de l’autre d’une manière qui dit « je t’aime ».
Vous pouvez également incorporer d’autres formes de toucher, comme se toucher le nez (voir l’exemple ci-dessous !), mais n’oubliez pas d’inclure également les touchers de la main :
6. Ne pas amputer les mains ou les doigts
Lorsque vous faites des poses de mains, faites très attention aux chevauchements potentiels – car lorsque vous avez une main couvrant l’autre, il peut sembler qu’une main ou un doigt manque en raison de votre angle et/ou de votre recadrage.
Cela peut se produire lorsqu’un sujet a les mains autour du cou d’un autre sujet ou lorsque vous photographiez un portrait de côté. Par exemple, imaginez à quoi ressemblerait l’image ci-dessous si la main gauche du sujet était positionnée sous sa droite ?
L’astuce consiste à faire attention, à surveiller l’amputation d’une main ou d’un doigt et à changer de main au besoin. Et si vous n’arrivez pas à trouver un moyen d’éviter l’amputation, essayez simplement une autre pose !
Poser les mains dans la photographie de portrait : derniers mots
Maintenant que vous avez terminé cet article, vous êtes prêt à créer des poses de main parfaites.
Rappelez-vous juste:
Quoi que vous fassiez, gardez les mains à la recherche Naturel. Ne demandez pas au sujet de faire quelque chose qui semble étrange.
Et si vous avez du mal avec cela, prenez un ami ou un modèle, puis sortez et entraînez-vous pendant environ une heure pour voir ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas. De cette façon, la prochaine fois que vous ferez un gros portrait, vous pourrez poser votre sujet en toute confiance.
Félicitations à Jeremy Janus pour avoir remporté la récente mission Spring Showers avec l’image « Raindrops of a Flower ».
Voir l’image gagnante et une sélection de soumissions ci-dessous. Et assurez-vous de consulter notre mission de photographie actuelle ici et entrez vos meilleurs clichés !
Si vous planifiez un voyage dans les parcs nationaux et que vous souhaitez capturer des photos exceptionnelles, vous êtes au bon endroit.
Je suis un photographe de parcs nationaux expert. Je suis fou de voyager et de photographier des parcs du monde entier. À mon avis, ces parcs offrent des opportunités incroyables pour créer de superbes photos de la nature et créer de nombreux souvenirs !
Cela dit, photographier un parc national n’est pas toujours facile. Les meilleurs clichés demandent beaucoup de préparation, sans parler de savoir-faire. Heureusement, cet article partagera tout ce que vous devez savoir pour de superbes photos dans les parcs nationaux, alors ne traînons pas ; plongeons dedans !
(Remarque : cet article se concentrera sur les parcs nationaux américains, mais les conseils généraux devraient s’appliquer à la photographie dans n’importe quel système de parcs nationaux !)
1. Connaître les règles du parc
Chaque système de parc national a son propre ensemble de règles de photographie, et le NPS des États-Unis ne fait pas exception. Donc, avant de planifier un voyage photographique dans les parcs nationaux, assurez-vous de vous être familiarisé avec les dernières règles et réglementations.
Voici les bases à retenir :
Les drones sont interdits dans les parcs nationaux, et s’ils sont pris en train d’en utiliser un, vous pouvez être condamné à une amende.
Aucun permis n’est nécessaire si vous utilisez des outils de base (un trépied, un appareil photo et un objectif) pour photographier des panoramas accessibles au public.
Des permis sont nécessaires pour les tournages commerciaux (photo et vidéo) et les décors qui impliquent des accessoires et/ou des modèles.
Vous aurez probablement besoin d’un permis pour entrer dans des zones non accessibles au public.
Les règles de l’arrière-pays peuvent différer des règles de l’avant-pays.
Réfléchissez à ce que vous pourriez souhaiter faire à l’avance, et si vous ne savez pas ce qui est autorisé ou non, n’hésitez pas à appeler directement les services du parc. Les rangers de la plupart des parcs que j’ai visités ont été très bien informés et sont très utiles avec les règles concernant la photographie.
Soit dit en passant, si vous voyagez en dehors des États-Unis, renseignez-vous auprès des autorités locales du parc et/ou consultez les forums de voyage pour connaître les règles applicables. La dernière chose que vous voulez est d’arriver à votre emplacement pour constater que vous n’avez pas les bons papiers et/ou permis !
2. Éloignez-vous de la faune
Mon amie travaille pour le parc national de Yellowstone, et chaque printemps, elle poste un message sur sa page Facebook : « Bienvenue dans la saison des fous. Que cette saison soit plus courte que la précédente ! »
Bien que cela puisse sembler amusant, le problème est assez sérieux ; les touristes et certains photographes se donnent parfois beaucoup de mal pour obtenir un selfie ou une photographie primée avec des bisons, des ours, etc. Ne soyez pas une de ces personnes.
D’une part, c’est contraire aux règles. Bien que les règles varient d’un parc à l’autre, vous devez généralement rester à plus de 75 pieds de la faune (et si l’animal est potentiellement dangereux, encore plus).
Des gens ont perdu la vie en essayant d’obtenir la photo parfaite ; même ceux qui s’en sortent indemnes mettent en danger la vie d’animaux innocents. Non seulement vos actions peuvent détruire son habitat, mais si un animal vous attaque, il peut être abattu.
Au fait, je ne parle pas seulement de approchant la faune – je parle aussi de alimentation faune. J’ai vu cela se produire maintes et maintes fois. Toute activité qui modifie le comportement naturel des animaux est inacceptable, que votre objectif soit d’obtenir de superbes photos ou simplement de vous amuser.
3. Ne quittez pas les sentiers
La randonnée hors sentier affecte la terre, le sol et l’environnement. Le balisage des sentiers est conçu pour garder les visiteurs en sécurité et hors de danger. En fait, chaque saison, les gardes forestiers et l’équipe de plein air parcourent les sentiers pour s’assurer qu’ils sont sûrs et peuvent gérer la circulation des visiteurs.
Pourtant, les gens ignorent toujours les signes afin qu’ils puissent obtenir le coup épique. Ils se tiennent au bord des rochers, plongent dans des étangs au pied d’une cascade et escaladent la face des montagnes – le tout pour un selfie.
Encore, ne sois pas cette personne. Restez dans les zones désignées. Et presque tous les parcs nationaux offrent plein de beaux sujets sur le sentier; inutile de mettre l’écosystème (et vous-même) en danger !
4. Soyez respectueux des autres photographes
C’est un grand! Pendant les vacances de Noël, j’ai voyagé avec ma famille au parc national de Zion. Le coucher de soleil près de la tour Watchman est une vue emblématique, que presque tous les photographes (amateurs et professionnels) cherchent à capturer.
Eh bien, comme je l’ai découvert, les foules commencent à se rassembler une heure ou plus avant le coucher du soleil, et trouver un endroit privilégié peut devenir compétitif et même impitoyable. Il y a aussi un chemin qui descend du pont jusqu’au bord de l’eau, et alors que nous attendions le coucher du soleil, les caméras prêtes à tirer, quelques familles ont décidé de descendre à pied jusqu’à la rivière – en entrant dans le cadre de chacun photographe attendant sur le pont au-dessus.
Soudain, quelqu’un dans le groupe a décidé de crier sur les visiteurs, leur demandant de quitter la zone. Et à mon avis, c’est inacceptable ! En fait, j’étais gêné d’être sur ce pont ce jour-là avec tous ces gens. Les parcs nationaux sont accessibles à tous et être photographe n’a pas préséance sur être visiteur. Heureusement, quelques autres ont ressenti la même chose et ont pris la parole pour faire savoir au photographe que nous n’étions pas d’accord avec son approche.
Pour faire court : Soyez respectueux et conscient de votre environnement. Les parcs nationaux sont accessibles à tous, et vous n’avez pas de privilèges spéciaux simplement parce que vous avez un appareil photo (qu’il soit grand ou petit). La plupart des gens connaissent les photographes, et s’ils vous voient tous installés, ils essaieront d’éviter d’entrer dans votre photo ou de s’éloigner rapidement. S’ils ne le font pas, bougez simplement ou attendez patiemment. Je ne demande jamais aux gens de bouger juste parce qu’ils sont dans mon plan, surtout pas dans les parcs nationaux.
5. Recherchez les lieux à l’avance
Les parcs nationaux sont grands et chacun offre littéralement des milliers de possibilités de photos. À moins que vous ne prévoyiez de vivre dans le parc pendant une décennie, vous devez affiner vos sélections afin de pouvoir tirer le meilleur parti de votre voyage.
Alors avant de partir, faites quelques recherches. Vous pourriez commencer par examiner les principales attractions de la région. Est-ce les vues épiques? Est-ce les lueurs magiques du coucher et du lever du soleil ? Est-ce la faune ? Quels sont les monuments et paysages célèbres ? Quels sont les spots photographiques les moins connus ?
Bien sûr, vous devez également penser à vos préférences photographiques. Ne ressentez jamais le besoin de photographier un lieu simplement parce qu’il est populaire. Choisissez les domaines qui recoupent vos centres d’intérêt !
Ensuite, une fois que vous savez ce que vous voulez photographier, planifiez judicieusement votre temps. Recherchez les fermetures de routes et les avis de construction. Tracez vos itinéraires, étudiez les cartes du lever et du coucher du soleil et préparez-vous pour le grand jour !
Conseil de pro : si possible, restez dans le parc. Cela élimine le besoin de se déplacer dans et hors du parc chaque jour, ce qui peut être un gros problème. Certains des parcs populaires peuvent avoir une congestion importante aux entrées, ce qui pourrait vous faire manquer ce coucher de soleil épique (je parle d’expérience !).
6. Sortez avant le lever du soleil et restez dehors après le coucher du soleil
Il est facile – et souvent beaucoup moins douloureux – de se réveiller après le lever du soleil et de rentrer chez soi au coucher du soleil. Mais si vous vous forcez à vous réveiller tôt et à rester tard, vous vivrez une bien meilleure expérience.
Sortez quand il fait encore noir et vous pourrez découvrir une autre facette du parc. Généralement, les seules autres personnes qui sortent avant le lever du soleil sont les photographes et ceux qui veulent vraiment profiter du calme et de la solitude. (De plus, c’est à ce moment que de nombreux animaux sont actifs !)
Les séances photo tôt le matin peuvent également tirer parti de certaines conditions météorologiques. Les étangs et les lacs ont tendance à être très immobiles, ce qui facilite les prises de vue en réflexion. Et la brume matinale peut ajouter beaucoup d’intérêt et de drame à une scène.
Quant aux couchers de soleil : La personne moyenne passe quelques minutes à admirer le coucher de soleil avant de rentrer à l’intérieur. Mais si tu fais l’effort de rester dehors passé coucher de soleil, vous aurez pour vous tout seul cet incroyable éclairage à l’heure bleue !
7. Passez beaucoup de temps avec chaque nouveau sujet
Lorsque vous trouvez un sujet intéressant, ne vous contentez pas de prendre la photo évidente et de passer à autre chose. Au lieu de cela, prenez quelques clichés de base, puis demandez-vous : « Comment puis-je rendre mes photos plus originales ? »
Voici quelques façons d’aborder une scène de manière créative :
Changez d’angle (voyez si vous pouvez monter haut ou descendre bas)
Changez la qualité de l’éclairage (attendez que le soleil passe derrière un nuage, ou attendez que le soleil descende plus bas dans le ciel)
Modifiez la direction de l’éclairage (parcourez la scène jusqu’à ce que vous soyez confronté à un contre-jour, un éclairage latéral ou un éclairage avant)
Modifiez la position de votre sujet dans la composition (ajustez votre cadre jusqu’à ce que le sujet soit assis le long d’une ligne de quadrillage selon la règle des tiers, en plein centre ou le long d’une diagonale)
Vous pouvez également essayer de changer d’objectif, d’appareil photo ou d’accessoire pour créer différents effets. Un peu de temps supplémentaire à chaque scène peut faire un énorme différence avec le résultat final !
8. Profitez de votre environnement
Les parcs nationaux sont magnifiques, et même s’il peut être très amusant de prendre des photos, il suffit parfois de s’arrêter, de détourner les yeux du viseur de l’appareil photo et d’apprécier la scène.
À de nombreuses reprises, je n’ai pas regardé au-delà de mon appareil photo et je suis rentré chez moi en me sentant frustré et irrité. Si j’avais pris le temps d’absorber la beauté qui m’entourait, je me serais probablement senti beaucoup plus heureux !
Pour moi, voyager et apprécier le plein air sont d’une importance primordiale. La photographie n’est que la cerise sur le gâteau. Si vous ressentez la même chose, alors les jours où la lumière n’est pas bonne ou que les choses ne semblent pas fonctionner pour vous, mettez l’appareil photo dans votre sac à dos. Se promener. Amusez-vous avec votre famille ou vos amis. Profite de l’instant.
(De plus, si vous passez du temps à vous promener dans le parc, cela pourrait vous donner des idées pour de futures photos !)
9. Randonnée dans l’arrière-pays
D’après mon expérience, la plupart des gens qui photographient les parcs nationaux restent dans ou à proximité de leur voiture – et bien que vous puissiez certainement obtenir de superbes photos en utilisant cette approche, si vous voulez quelque chose d’un peu différentpuis trouvez un sentier et partez.
Je trouve que la randonnée dans l’arrière-pays m’aide à laisser la foule derrière moi, à vivre une meilleure expérience et à prendre de meilleures photos. Bien sûr, pour les longues randonnées et les voyages en camping, vous devrez garder votre sac aussi léger que possible. Envisagez de laisser derrière vous ces objectifs supplémentaires et ces caméras de recul, et prenez simplement votre corps principal plus un ou deux objectifs principaux.
Assurez-vous également de consulter les cartes du parc pour obtenir des conseils de sécurité et toute fermeture d’itinéraire. Et – comme je l’ai souligné dans un conseil précédent – vérifiez les règles de l’arrière-pays avant de partir !
Conseils photographiques sur les parcs nationaux : derniers mots
J’espère que vous avez trouvé ces conseils utiles. Photographier dans les parcs nationaux est une expérience incroyable, et avec la bonne approche, vous pouvez capturer de nombreuses images époustouflantes.
Alors sortez et profitez de la nature ! Prenez de belles photos. Et amusez-vous!
Quels parcs nationaux comptez-vous photographier ? Partagez votre opinion dans les commentaires ci-dessous!
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L’espace NFT évolue si rapidement qu’on dit qu’un mois ressemble à un an. Un autre dicton populaire dit que les collectionneurs et les artistes « construisent l’avion en volant », prenant des décisions sur le pouce qui pourraient influencer le marché pour les années à venir. Et étant donné ce rythme effréné, des erreurs se produisent.
Des artistes ont été arnaqués par des personnes prétendant être des collectionneurs intéressés par l’achat d’œuvres, se faisant voler de l’argent et des biens dans leur portefeuille. Certains ont fixé un prix trop élevé pour leur travail et ont eu du mal à trouver des acheteurs. D’autres prix des photos trop bas.
« Les gens voient les NFT se vendre, et ils pensent que c’est facile », la photographe Paola Franqui, qui porte également le surnom Monaris, admet. « Non, c’est beaucoup de travail. » Dans le Web 2.0, elle était déjà établie. Elle compte plus de 350 000 abonnés sur Instagram, avec une liste de clients comprenant Mercedes Benz, Nike et American Airlines. Son premier livre a été publié par Setanta Books.
« J’ai dû recommencer dans Web3″, dit-elle. « La plupart des collectionneurs n’avaient aucune idée de mon travail. Mais maintenant je suis investi à 100% dans cet espace. Cela a changé ma vie. » Nous avons demandé à cinq photographes éminents de la communauté de nous parler de certaines des erreurs courantes qu’ils voient commettre par les photographes lors de la création de leurs premiers NFT – et de la manière de les éviter.
La communauté NFT vit et respire sur Twitter. « Tout est extrêmement rapide et en constante évolution, vous devez donc d’abord être prêt à écouter et à absorber », a déclaré le photographe.Gabriella Morton explique. « Les publicités et le marketing d’influence semblent inauthentiques, vous avez donc vraiment besoin d’une présence organique et cohérente pour être reconnaissable et identifiable. » Les collectionneurs consulteront souvent le fil Twitter d’un artiste, non seulement pour évaluer son travail, mais aussi pour connaître son histoire et voir s’il partage ou non le travail d’autres artistes et élève ses pairs.
Pour en savoir plus sur le rôle de Twitter dans l’espace,consultez notre article sur le sujet.
Au-delà de Twitter, envisagez d’assister à des événements, virtuels et en personne, ou de vous connecter avec des personnes de votre ville. Asseyez-vous et écoutez ce que les gens de la communauté ont à dire avant de vous lancer. « J’ai appris, construit des produits, écrit des articles, organisé des conférences, etc. pendant dix mois avant de déposer ma collection, CONDUIRE, » le photographe David Krugman dit. « Si vous ajoutez de la valeur avant de demander de la valeur, vous n’aurez jamais à demander.
« Apprendre, participer et contribuer. Nous sommes dans des écosystèmes numériques interconnectés ; concentrez-vous sur la santé de toute la forêt, pas seulement sur votre arbre. Nous avons tous besoin les uns des autres. Aidez-nous à construire; aidez les autres, et vous surferez sur la vague avec nous tous. Au moment où j’ai laissé tomber CONDUIREtout le monde était impatient de posséder une pièce de moi parce que j’avais déjà prouvé que j’étais là pour le long terme.
« Les photographes doivent aborder l’espace NFT avec intention et organiser le travail qu’ils ont l’intention de frapper sur la blockchain de manière plus agressive qu’ils ne le feraient normalement », a déclaré l’artiste. Aaron Rickets nous dit. « L’une des raisons est que presque chaque interaction sur la blockchain est associée à des frais de gaz, qui pourraient coûter cher très rapidement si vous frappez ou brûlez constamment du travail. » Commencez avec quelques pièces seulement, et si elles se vendent, essayez-en plus.
L’espace NFT – et ses prix – peut être très différent du monde de l’art traditionnel, il est donc recommandé de rechercher le marché et les acteurs de la communauté pour avoir une idée de la demande et des prix. Plus votre travail est rare ou rare, en général, plus vous pouvez le tarifer. Une photo 1:1 vaudra plus, par exemple, qu’une édition plus grande.
« En repensant à ma première collection, Collectionner les mains, j’ai vendu ces photos pour 0,3 ETH », se souvient Monaris. « Maintenant, ça me fait mal. C’est douloureux. Pour le contexte, le prix plancher de la collection est de 2,25 ETH, au moment d’écrire ces lignes. Le volume total des transactions est de 39,9 ETH. « En même temps, peut-être que tout s’est passé comme ça devait se passer », dit l’artiste. « Cette collection m’a aidé à faire connaître qui j’étais et qui je suis sur Web3. » Compte tenu de la demande, ses collections ultérieures ont commencé à des prix plus élevés.
De l’autre côté de la médaille, il est généralement préférable de commencer bas, puis d’augmenter vos prix au fil du temps. « Lorsque vous commencez, gardez peut-être votre meilleur travail absolu pour plus tard, mais mettez des choses dont vous êtes très fier à des prix raisonnables », suggère Krugman. « L’objectif est de commencer à construire votre base de collectionneurs – votre groupe de défenseurs investis. À partir de là, vous pouvez évoluer, itérer et apprendre. La clé de cet espace est la participation, il est donc préférable de commencer et d’apprendre au fur et à mesure.
« La plus grande erreur que je vois dans l’espace est de se précipiter et de s’épuiser, ou d’abandonner parce que vous ne faites pas une vente tout de suite », ajoute Krugman. « J’ai eu des pièces SuperRare pendant des mois sans intérêt, avant de les vendre pour 8,5+ ETH plus tard. » En d’autres termes, pensez à long terme. Continuez à vous engager avec la communauté, à partager votre travail et à soutenir d’autres artistes. Le succès vient avec le temps et la patience.
Bien qu’il soit important de comprendre les tendances dans l’espace, cela ne signifie pas que vous devez modifier votre travail pour l’adapter à ce que vous pensez que les autres veulent voir. Beaucoup des artistes les plus réussis de l’espace ont passé des années – un décenniedans certains cas, créer et innover avant de trouver un foyer pour leur travail sur la blockchain.
Il pourrait être tentant de changer votre style pour correspondre à d’autres artistes à succès, et cela pourrait conduire à une vente rapide, mais cela ne fera rien pour favoriser ces relations à long terme qui animent cet espace. D’un autre côté, faire quelque chose d’original peut être payant.
« Certains artistes sont venus en prenant des risques et ont eu beaucoup de succès en essayant quelque chose de différent », Jessica Cardelucci nous dit. « Par exemple, quand j’ai frappé mon Mustangs sauvages collection l’été dernier, il n’y avait pratiquement pas encore de collections N&B sur la blockchain et aussi très peu d’images d’animaux sauvages. Il a fallu un certain temps pour obtenir une traction, mais j’ai depuis eu une vente secondaire de 7 ETH, ce qui a été extrêmement humiliant pour ma photographie.
L’espace d’art cryptographique est malheureusement truffé d’escroqueries et de pirates informatiques. Les mesures de sécurité de base incluent l’utilisation de l’authentification à deux facteurs (2FA) sur tous vos comptes, la configuration d’un portefeuille matériel de stockage à froid (comme un grand livre), ne jamais cliquer sur les liens de personnes que vous ne connaissez pas et ne jamais partager votre clé privée. ou votre phrase de récupération/semence.
« Obtenez un portefeuille crypto matériel physique si vous pouvez vous le permettre avant de commencer », conseille Cardelucci. « Il existe malheureusement de nombreuses possibilités d’erreurs d’utilisateurs dans ce secteur, je vous recommande donc fortement de rechercher comment protéger vos actifs. En savoir plus sur la sécurité cryptographique est également essentiel. Je sais que c’est beaucoup à absorber, mais ce sera utile à long terme si vous voulez rester dans cet espace.
« Bien que la plupart ne tiennent pas compte de la consommation d’énergie des banques traditionnelles, des médias sociaux et de la fabrication/expédition/emballage de l’art physique, nous devons reconnaître que les NFT ont une empreinte », admet Morton. « Lorsque vous calculez la moyenne en dollars, il est de loin plus durable de vendre des NFT 1/1 de grande valeur que des éditions quantifiables de moindre valeur. » Le protocole énergivore qui alimente actuellement la blockchain Ethereum, où vivent la plupart des NFT, pourrait changer bientôt, mais en attendant, cela vaut la peine de faire tout ce que vous pouvez pour comprendre, quantifier et réduire vos émissions.
« La plus grosse erreur que vous puissiez faire est d’abandonner un projet puis de vous en aller », nous dit Krugman. « Un lancement de projet est le début d’un voyage – la vente est l’entrée, pas la sortie. Si vous avez la chance de vendre un projet, assurez-vous d’avoir un plan pour garder cette communauté engagée, et même avant cela, assurez-vous que c’est quelque chose que vous voulez vraiment faire. Travailler dans les NFT en tant qu’artiste est plus qu’un travail à temps plein ; c’est un style de vie dévorant avec pour objectif de devenir un individu souverain. Pour moi, l’effort en vaut la peine – pour posséder mon temps, avoir le contrôle de mon art et avoir les ressources nécessaires pour concrétiser mes idées les plus folles.
J’ai photographié ces bébés gommiers en Afrique du Sud au nord de Johannesburg dans un ranch appelé Monaghan Farm.
L’eucalyptus est un genre diversifié d’arbres et d’arbustes à fleurs appartenant à la famille des myrtes, les Myrtaceae. Il n’y a pas d’eucalyptus indigènes en Afrique du Sud et presque tous les gommiers sont originaires d’Australie, sauf indication contraire. Les gommiers produisent des huiles et de la sève très couramment utilisées, ainsi que le bois lui-même.
Le nom générique est dérivé des mots grecs (eu) = ‘bien’ et (kályptos) = ‘couvert’, se référant aux couvercles qui recouvrent les boutons floraux.
De nombreuses espèces d’eucalyptus sont largement cultivées en raison de leurs caractéristiques souhaitables telles qu’être une source de bois à croissance rapide, produire de l’huile utilisée pour le nettoyage et comme insecticide naturel ; • leur capacité à assécher les marécages, réduisant ainsi le risque de paludisme. En dehors de leur aire de répartition naturelle, les eucalyptus sont à la fois loués pour leur impact économique bénéfique et critiqués pour être des extraterrestres envahissants « gourmands en eau », ce qui suscite une controverse sur leur impact total.
Dans certaines régions du monde, ces arbres sont considérés comme une espèce envahissante.
Ce que j’ai aimé dans ce cliché, c’est que le soleil, encore dur, filtre à travers les prairies locales et les fines feuilles odorantes des gommiers. Il n’y avait absolument pas de vent et la chaleur créait une atmosphère brumeuse qui accentuait encore le look doux que je recherchais. On sait que les jours chauds, ils sont parfois enveloppés dans un brouillard semblable à du smog de composés organiques volatils vaporisés exsudés par les arbres.
L’une des meilleures caractéristiques de ces arbres est l’étonnante écorce qui, avec l’âge, s’écaille pour révéler les troncs de couleur blanche.
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De temps en temps, une journée d’hiver à Melbourne, tout en étant assez fraîche, peut être très calme et c’était l’une de ces journées. Il n’y avait pas de vent et beaucoup d’humidité dans l’air, ce qui a contribué à une brume qui n’a pas rendu la photographie de paysage ou de paysage marin à moyenne ou longue distance très attrayante jusqu’à ce que le soleil commence à se coucher. Et puis l’humidité et le manque de vent ont pris tout leur sens. Il s’agit d’une image capturée un tel jour, de la longue jetée de Swan Bay, située du côté de la péninsule Bellarine de la baie de Port Phillip. Alors que le soleil descendait sous l’horizon, la couleur du ciel se reflétait dans l’eau et les trois navires de l’image étaient immobiles sur les eaux tranquilles de la baie. Un moment de paix et de tranquillité dans le monde.
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Dimitri Vasileiou • Éditeur
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